Bochornoso momento fue el que vivió Chela Lora cuando su esposo Alex Lora fue invitado al 40 aniversario del Museo de Cera de la Ciudad de México. Al ser presentados los padrinos de honor de la celebración, la conductora de la noche olvidó mencionar a “La domadora” y la incomodidad de ella fue evidente, al grado que el líder de El Tri no dejaba de abrazarla y darle besos, pero Chela decidió hacerse a un lado discretamente sin ocultar su molestia.

Suena la melodía de La Pantera Rosa y de inmediato la imagen del dibujo animado llega a la mente. La pieza compuesta por Henry Mancini a ritmo de jazz es de esos temas que se han quedado a través de la historia y que ya resulta difícil separar del personaje.

El dibujo animado fue creado originalmente para aparecer sólo en los créditos de la película homónima de 1963 —cuyo nombre hacía referencia a una piedra preciosa en la que se veía la silueta de una pantera— pero gustó tanto que se ha hecho más de una serie con el colorido felino como protagonista; una de ellas, The pink panther show (El show de la Pantera Rosa), estrenada, el 6 de septiembre de 1969.

En el marco de su 50 aniversario además de recordarla a través de los episodios en los que se le veía peleando con el personaje bajito de color blanco llamado Loui, y presentando otras historias derivadas como La hormiga y el oso hormiguero o El inspector una pieza clave es su melodía.

“Es la magia del compositor, no es fácil crear un tema que se quede, que sea reconocido, los que lo hacen son los grandes como John Williams yHenry Mancini”, dice en entrevista la compositora Camilla Uboldi, docente de la Facultad de Música de la UNAM.

“The pink panther theme” fue una de las piezas que Mancini compuso para la película del 63 que en conjunto ganó un Oscar a la mejor banda sonora original. Como sencillo llegó al top 10 del Billboard adult contemporary, además de ganar tres Grammy solista de saxo tenor.

Temas entrañables. Pero esta magia que envuelve a la música y sus personajes no sólo sucede con La Pantera Rosa, ya sea en televisión o cine, títulos tan dispares como Batman, Up, Star Wars o Los Simpson, tienen en común más de lo que parece al contar con temas musicales que hablan por sí mismos y que inmediatamente nos remiten a sus protagonistas.

Uboldi explica que la música puede componerse siguiendo diferentes líneas.

Por ejemplo en el caso de la cinta de Disney Pixar, Up, se trata prácticamente de un solo tema que se va transformando de acuerdo con las escenas. En el caso de la saga creada por George Lucas, Star Wars, hay uno para cada personaje y a través de variaciones continuas se construye toda la banda sonora.

“Muchas veces no estamos concentrados a escuchar pero claramente se queda grabado en el subconsciente y cuando vemos un personaje lo asociamos al tema”, dice.

Uboldi comenta que la música ayuda a contar aquello que no puede ser puesto en palabras o imágenes, por ejemplo lo que pasa en la mente de los personajes.

“Nos explica lo que el personaje está sintiendo en ese momento”, explica.

En esta sinergia entre lo visual y la música la experta considera que personajes como el compositor Miklós Rosza marcó un antes y un después en la forma de hacer música para cine. El músico llegó a recibir tres premios Oscar por la música de las películas Spellbound (1945), Doble vida (1947) y Ben-Hur (1959). Uboldi considera que se ha convertido en pieza clave de la historia.

“Marcó un cambio en los años 40; yo creo que desde ahí empezó a formarse una conciencia de que la música podía ir más allá. Desde esta fecha empezaron a darse cuenta de que la música tenía un significado psicológico muy profundo”, indica.

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Mirando más atrás en el tiempo, hay autores clásicos como Wilhelm Richard Wagner —quien recurría a pequeñas melodías (leitmotiv) que asignaba a símbolos y sentimientos, técnica que después retomarían compositores como John Williams— o Serguéi Prokófiev —creador de la ópera Pedro y el lobo en la que cada instrumento simbolizaba algún personaje ya sea humano o animal— cuyas composiciones, aunque fueron para ópera o teatro, marcaron una pauta.

Más allá del sonido. Si bien están esas piezas que es imposible no tararear y recordar alguna de nuestras escenas favoritas en la pantalla también hay otra música que en el cine está de fondo y que, de acuerdo con la experta, está ahí para que la percibamos inconscientemente.

“Parece como un insulto pero la música mientras menos la escuchas mejor es. Su función es llevarte en la historia, no sacarte de ella si te distrae no está haciendo buena función de música para cine”, comenta.

El programa «¿Quién es la máscara?«, que se estrenó este fin de semana por Las Estrellas, rompió el récord de audiencia en la historia de la televisión.

El sistema de medición Nielsen arrojó que el programa llegó a cerca de 8.7 millones de personas, marcando un hito para las audiencias.

Con sus 8 millones 665 mil de personas, «¿Quién es la máscara?» se impuso a las 4 millones 16 mil de «Masterchef. La Revancha» y las 5 millones 372 mil de la tercera temporada de «Rosario Tijeras».

La producción de Televisa cuenta con la conducción de Omar Chaparro y Natalia Téllez; Carlos Rivera, Yuri, Consuelo Duval y Adrián Uribe son los jueces de este reality.

El show cuenta con 16 celebridades que, disfrazadas de pies a cabeza, tratan de impresionar a los jueces con su canto y éstos, a su vez, tratarán de adivinar quiénes son.

El productor Miguel Ángel Fox dijo hace unos meses que guardaron a piedra y lodo las identidades de los concursantes porque este tipo de cosas no se pueden ocultar por mucho tiempo.

«¿Quién es la máscara?» se estrenó este domingo a las 20:30 horas y contará con 8 capítulos. El formato es una coproducción entre Televisa y Endemol Shine Boomdog, basado en “The king of the mask singer”.

El “efecto dominó” es aquel movimiento que desencadena una serie de acontecimientos similares, algo parecido a lo que dice la tercera ley de Newton: “Toda acción desencadena siempre una reacción igual y contraria”

Quizá teniendo esto en cuenta el grupo mexicano Hello Seahorse! decidió nombrar a su reciente sencillo “Dominó”, donde reafirma su amor por la música, por la manera en la que la hace y por hacer las cosas a su estilo, sin dejarse gobernar por modas musicales.

“Siempre nos ha gustado ser fieles a nosotros, a nuestro proyecto y a lo que hacemos, creemos que eso da un mensaje de congruencia y eso el público lo agradece y ha hecho que llevemos ya 14 años en esto. Surgimos en una época en la que muchas bandas nacieron con nosotros y hoy ya no están”, dijo Denise Gutiérrez, vocalista de la banda en entrevista con EL UNIVERSAL.

Esta reciprocidad de la que habla Denise es ese “efecto dominó” que hizo que el pasado mes de marzo en su participación en Vive Latino, su show fuera de las que más afluencia logró.

Aun cuando la banda tiene siete años sin sacar nuevo disco y cuando días antes habían lanzado un sencillo de nombre “Incendio”, las almas que se reunieron para ver al grupo se supieron la letra de la melodía.

“Fue algo inesperado, sabemos que nuestros fans son fieles pero en realidad nos sorprendió que se supieran la canción cuando apenas tenía días. Creemos que esa respuesta es parte del trabajo que hemos hecho en 14 años como banda, ya que somos un grupo que, aunque no tenga disco nuevo, seguimos tocando en vivo, porque creemos que ahí es donde una banda crece”, dijo Gutiérrez.

El grupo conformado por Denise, José Borunda, Bonnz!, Julio Muñoz y Oro de Neta detalló que esperan que su nuevo álbum titulado Disco estimulante vea la luz en 2020, mientras continuarán lanzando sencillos mensualmente.

Añadieron los integrantes que, aunque en este nuevo material respetan su estilo, los temas sobre los que hablan son más positivos y menos melancólicos.

Alejandro González Iñárritu recibió durante el pasado Festival de Cine de Sarajevo el Corazón de Honor, un galardón que reconoce su trayectoria como realizador. Al recibir el premio, el director mexicano advirtió que la senda que sigue el cine está siendo dictaminada por la narrativa televisiva, lo que está convirtiendo al séptimo arte en «una orgía de intereses» y «una prostituta».

Según las declaraciones que el encargado de «Birdman» hizo a Variety, el cine es «la forma de arte más importante del mundo», pero también es «una orgía de intereses con principios poéticos que duermen en la misma cama, al mismo tiempo que una prostituta que quiere cobrar».

El realizador de «El renacido» señala que el cine necesita «más contemplación, un poco más de paciencia», así como urge la necesidad de que las películas sean «más misteriosas, más impenetrables, más poéticas, más surgidas del alma». «El lenguaje está cambiando, la necesidad de argumento y narrativa es tanta que está empezando a deformar la forma en la que podemos explorar temas», reflexionó.

Mientras que en el pasado las películas «exploraban diferentes formas de contar historias, intentando hacer evolucionar al lenguaje», la actualidad es bien distinta para Iñárritu. «Todo eso está desapareciendo, ahora todo son películas que esperan ser un éxito. A eso se suma la experiencia de la televisión en streaming», indicó.

En base a esto, «la audiencia es cada vez más impaciente», señaló Iñárritu, defendiendo a los que llama los «poetas radicales». «Cada vez hay creadores más radicales. Y ahora lo radical es no mover la cámara, que no haya narrativa ni argumento», explicó.

LA DICTADURA DEL ALGORITMO

Reflexionando también sobre el estado de la industria cinematográfica, el director lanzó un dardo directo a los grandes estudios, «los mercenarios del dinero», según los nombró. Mientras que el cine, para muchos, es «una forma artística para expresar una visión personal del mundo, para otros es sólo entretenimiento, es sólo un medio para hacer dinero, en definitiva, una industria».

Iñárritu también se refirió a la «dictadura del algoritmo», un problema que también preocupa al realizador mexicano. Un conflicto difícil de abordar, dada la gran cantidad de proyectos que pueden salir adelante gracias al streaming, como es el caso de «The Irishman«, la nueva película de Martin Scorsese, o la exitosa ROMA, de su compatriota Alfonso Cuarón.

«Los servicios de streaming están gestionados por algoritmos diseñados para alimentar a la gente con lo que le gusta», comenzó, advirtiendo que esto «estrecha los gustos». «Cuando hacemos elecciones, nos dan más de lo que hemos buscado. El problema es que los algoritmos son muy inteligentes pero no son creativos, y no saben lo que la gente no sabe que le gusta», concluyó.

Keanu Reeves y Carrie-Anne Moss volverán a interpretar a Neo y Trinity en una cuarta entrega de «Matrix». Así lo confirmó ayer la revista Variety y agregaron que Lana Wachowski ya está preparada para escribir y dirigir esta nueva versión filmica.

El medio especializado destacó que Warner Bros. Pictures y Village Roadshow Pictures serán los encargados de producir y distribuir globalmente el filme.

“Lana es una verdadera visionaria, una cineasta creativa única y original”, señaló Toby Emmerich, presidente de Warner Bros. Picture Group, al confirmar la noticia. El regreso de «Matrix» llega en un momento de gran popularidad para Keanu Reeves, quien logró éxito recientemente en la taquilla con el estreno de John Wick 3 y tuvo una notable participación en Toy story 4 dando voz a un nuevo personaje, Duke Caboom.

La primera película estrenada en 1999 se ganó la ovación de los fanáticos de la ciencia ficción y logró recaudar más de 463 millones de dólares en la taquilla. La segunda entrega, en tanto, se volvió aún más popular con 742 millones de dólares recaudados en su estreno en 2003, mientras que la tercera se quedó con 427 millones de dólares obtenidos en taquilla. Dos décadas después. Durante estos 20 años transcurridos, las hermanas Wachowski también realizaron V de Vendeta y debutaron en streaming con la serie Sense8, filmada en México y que tuvo dos temporadas en Netflix.

También anunciaron su cambio de sexo. Larry se convirtió en Lana en 2012, al tiempo que estrenaba la película Cloud Atlas; cuatro años después, en el año 2016, Andy anunció su transición a Lilly Wachowski, tras las presiones, explicó en su momento, de un periodista de The daily mail por obtener la primera imagen de su cambio.

En la lista de deseos que posiblemente nunca se cumplan de los fans de Marvel existe una colección, titulada Marvel Zombies, que cualquier marvelita querría ver en la gran pantalla. ¿Zombies inteligentes contra superhéroes que pueden acabar convertidos en no-muertos? En los cómics existe, y ahora gracias a un fan, también en YouTube.

Es muy poco probable, sin importar el éxito que llegue a alcanzar el Universo Marvel, que algún día se haga una versión de imagen real de Marvel Zombies. La serie es tan violenta, y es una versión tan retorcida de los superhéroes queridos por el público, que no tendría cabida en el panorama cinematográfico actual. Pero un fan llamado Billy Chammer ha creado un sorprendente tráiler, que da una perspectiva de cómo podría ser el filme de Marvel Zombies.

El video comienza como cualquier toda película de zombies, con un brote infectando a la población de forma descontrolada, salvo que en éste mundo existen los superhéroes. Mezclando hábilmente imágenes del Universo Marvel con secuencias de películas de zombies como «Guerra Mundial Z» o «28 semanas después», se ve cómo los héroes sucumben al pánico mientras caen presas del virus. Y un contundente eslogan concluye el tráiler: «Los héroes se convierten en cazadores».

Publicada originalmente en 2005, Marvel Zombies cuenta cómo un virus Z se propaga por la Tierra 2149, una de las muchas que componen el Multiverso Marvel y que no es la línea de los eventos principales. El guión es obra de Robert Kirkman, autor de «The Walking Dead», y supuso un éxito masivo que ha dado lugar a varias continuaciones, incluyendo una historia crossover con Army of Darkness.

Por supuesto, una película de Marvel Zombies es impensable a día de hoy. Pero quizás, y sólo quizás, Marvel quiera incluir la historia en la serie de animación que prepara para Disney+, titulada «What If?», y que como ya hiciera en los cómics, contará versiones alternativas del canon principal del UCM.